Elena El Asmar, nella sua ricerca, indaga la relazione che da sempre esiste, all’interno dell’uomo, tra spazio, ricordo e immaginazione, traducendo l’esperienza della memoria in strutture visive e narrative. Tramite una pratica che attraversa disegno, pittura, installazione e parola, il lavoro si configura come un processo di stratificazione e trasformazione continua, nutrito da una tensione tra geografie e appartenenze, in cui materia e luce diventano strumenti di osservazione e attraversamento del tempo.

Le Fantasmagoriche costruisce un universo in costante sospensione, in cui il corpo, implicitamente presente nel paesaggio, vi galleggia facendone esperienza. El Asmar ci esorta a coglierne i legami sottili, visibili e invisibili.

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L’esposizione, a cura di Marco Meneguzzo, nasce dal desiderio di celebrare e rendere omaggio a una delle ricerche più rigorose e coerenti del panorama artistico contemporaneo italiano. Attraverso una selezione di opere emblematiche dell’artista – riunite nel percorso espositivo dal piano terra al primo piano della galleria – la mostra restituisce la forza di un linguaggio essenziale, fondato sul dialogo tra tempo, spazio e segno.

La mostra desidera proporsi anche come ideale tributo all’artista da parte di Milano, città che lo ha accolto sin dagli anni Sessanta e nella quale ha vissuto e lavorato per oltre cinquant’anni. In questa prospettiva, il percorso espositivo si apre al piano terra con due proiezioni a parete dedicate alla documentazione fotografica delle azioni e degli interventi tra i più noti dell’artista. Tra questi, “Intervento.installazione”, azione realizzata nel 1977 nella Piazzetta di Palazzo Reale a Milano.

Alle pareti sono esposte opere degli anni Settanta e Ottanta provenienti dalla collezione BUILDING – tra cui Segnico continuo (1977), Struttura modulare multipla (1970) e Percorso. Intervento (1983) – mentre lo spazio è attraversato da molle che, richiamando l’azione del 1977, da un lato limitano la visione dello spazio espositivo e dall’altro rimandano a una dimensione di utopica felicità costruttiva.

Al primo piano, la mostra prosegue nel segno della continuità con una selezione di opere dei decenni successivi, tra cui alcuni cementi degli anni Ottanta, dal titolo Determinazione e i celebri Tempo in Processo. Rapporti-misure-connessioni (2008-2018).

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Parallelamente, presso Galleria Moshe Tabibnia è esposta l’opera Piccolo Myhrab Monumentale (1990) nella quale l’artista affronta i temi dell’altrove e della soglia, attraverso la ricostruzione fotografica tridimensionale di un elemento architettonico della tradizione islamica.

Nel lavoro di Wolf, la soglia si configura come un luogo di conoscenza: uno spazio che invita alla sosta, allo sguardo e alla meditazione. È in questo punto che la realtà e l’immaginazione entrano in contatto. Le sue fotografie indicano strade e alterità possibili, presentandosi come luoghi di transizione che connettono e allo stesso tempo separano, offrendo visioni simultanee d’interno ed esterno.

Durante il periodo della mostra, negli spazi di BUILDING TERZO PIANO, sarà presentato il libro d’artista: Dal Libro della Vita, realizzato da Prearo Editore (Milano) nel 2026. Questo libro-opera, in edizione bilingue (italiano e inglese), è costituito da 15 stampe originali in tiratura limitata firmate da Silvio Wolf e inserite in altrettanti quartini alla francese, racchiusi in una scatola-contenitore in seta nera. Il volume, accompagnato da una conversazione tra Alberto Fiz e Silvio Wolf, sintetizza 45 anni di ricerca visiva ed esistenziale dell’artista attorno ai temi della Soglia, dell’Assenza e dell’Altrove. 

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L’esposizione riunisce una selezione di opere fotografiche, video e scultoree, che documentano e sviluppano il tema dell’impermanenza e della trasformazione di stato che l’artista ha avviato con l’intervento site-specific e le performance collettive nella salina di Margherita di Savoia (BT). Zanetti offre una narrazione collettiva nella quale l’ambiente naturale – caratterizzato in questo caso dalla presenza del sale – e il tessuto sociale della comunità, che si esprime nell’attività di raccolta del composto cristallino, convergono in un processo comune di trasformazione.

La rappresentazione di questo divenire, nel quale la natura si riappropria della conoscenza e dei prodotti realizzati dall’uomo, emerge in questa mostra dai frammenti di sale riuniti come reperti di un passato che va a scomparire, generati dal deterioramento naturale di sculture cristallizzate, realizzate nell’estate del 2023 sotto la guida del saliniere Raffaele Valerio. Questi frammenti derivati dalle opere, originariamente ottenute dal processo di solidificazione del minerale sugli strumenti di lavoro e simboli collettivi della comunità pugliese sono la traccia tangibile dell’impermanenza, non solo della memoria antica che si disperde parallelamente ai tessuti comunitari che la conservano e tramandano, ma anche del desiderio dell’uomo di poter controllare i processi geologici e climatici della Terra. In questa assenza di controllo, l’artista agisce per preservare l’impossibile attivando una danza estatica di rinascita. Non solo: nella nuova e inedita fase di analisi di questo processo di evanescenza e conservazione, presentata per la prima volta in esclusiva nella mostra di BUILDING TERZO PIANO, Zanetti sceglie di rispondere alla fragilità con il suo stesso linguaggio utilizzando il vetro per imprimere il calco di oggetti altrimenti dispersi dal passare del tempo.

Anteprima stampa: giovedì 15 gennaio 2026, ore 11:00

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L’ultimo decennio è stato caratterizzato da una sempre maggior attenzione nei confronti dell’arte tessile che si è affermata come uno dei linguaggi più vitali della contemporaneità. Il progetto espositivo presentato da BUILDING BOX vuole connettere artisti italiani di generazioni diverse sviluppando un percorso fluido, a tutto tondo, da cui emergono le potenzialità di una materia versatile, manipolabile ed ecologicamente sostenibile, dove s’intersecano tradizione, memoria e attualità evitando rigide formalizzazioni. Al tempo stesso, fibre, trame, nodi e intrecci diventano strumenti relazionali in grado di ridefinire lo spazio e il rapporto tra gli individui.

Per filo e per segno vuole dare un contributo innovativo alla riflessione sull’arte tessile che in questa occasione si sviluppa intorno a differenti prospettive, offrendo una visione allargata con l’inserimento di opere tipologicamente variegate quali arazzi, abiti, installazioni, sculture, lavori site-specific di cui molti progetti inediti, realizzati specificatamente per questa occasione, a conferma di come il tessuto non rappresenti soltanto una tecnica, bensì un approccio innovativo nei confronti della realtà e dell’immagine.

Anteprima stampa: giovedì 15 gennaio 2026, ore 11:00

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Il titolo della mostra è una citazione di un racconto di Italo Calvino intitolato “Dall’opaco”, contenuto in “La strada di San Giovanni” (1990). In questo “esercizio di memoria”, Calvino descrive i luoghi della propria infanzia come un mondo fatto di linee spezzate e oblique, in cui l’orizzonte rimane l’unica retta continua possibile.

Relazionarsi a un luogo, co-abitarlo, sono i principi adottati da Alice Cattaneo e Marco Andrea Magni all’inizio del lavoro insieme. Un mondo tutto all’aperto è stata ideata a partire da forme di convivenza tra le due ricerche artistiche e lo spazio che le accoglie, comprendendo un certo grado di opacità legato alla conoscenza reciproca. Questo si è tradotto anche in precise scelte allestitive, per cui lo spazio espositivo di BUILDING presenta alcuni moduli angolari come veri e propri dispositivi di opacità che alterano la relazione con gli ambienti della mostra. Con un gesto semplice, a cui fanno eco anche alcune delle opere, è nato un divisorio modulare: una struttura che non chiude né separa del tutto, ma apre nuove possibilità di orientamento. Un modo di avvicinarsi, per ripensare lo spazio espositivo come un luogo di passaggi, soste e dialoghi, in cui gli angoli che fanno scivolare lo sguardo diventano strumenti di relazione: piccole architetture della vicinanza.

Anteprima stampa: giovedì 15 gennaio 2026, ore 11:00

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La nuova esposizione è dedicata alla ceramica e all’argilla, elementi presentati sia come materie che come soggetti. La mostra presenta un ampio nucleo di opere inedite, tra cui nuove produzioni scultoree e pittoriche realizzate in collaborazione con maestri artigiani italiani, insieme ad alcune sculture già note dell’artista. Con l’argilla dei nostri corpi esplora la dimensione plastica e simbolica di una materia prima profondamente umana, divenuta centrale nella sua pratica.

Questa mostra segna una nuova tappa del dialogo tra Yuval Avital e Cristiano Leone, un sodalizio nato con “Lessico Animale” e cresciuto negli anni attraverso un’affinità profonda che si basa su una visione condivisa dell’opera d’arte come organismo vivente, in cui materia e pensiero si riflettono a vicenda, generando spazi di esperienza sensibile che uniscono rigore concettuale e intensità poetica.

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L’esposizione, secondo progetto personale che BUILDING dedica all’artista dopo “Condensare l’infinito” (2024), si sviluppa su tre piani espositivi della galleria e offre una panoramica completa del lavoro grafico, pittorico, scultoreo e installativo di Ciacciofera, incentrato su temi storici, antropologici e politici legati al Mediterraneo, tra nuove produzioni, lavori storicizzati e riattivazioni inedite, secondo un percorso tematico concepito ad hoc per ogni piano espositivo di BUILDING GALLERY.

Il titolo della mostra, “Lettere Mediterranee”, rimanda alla centralità del Mar Mediterraneo nella vicenda biografica e artistica di Ciacciofera. Insieme a opere inedite realizzate appositamente per la mostra, “Lettere Mediterranee” propone, per la prima volta in Italia, la riattivazione di alcune opere emblematiche dell’artista, come le installazioni Janas Code (2016), Terra Madre (2024) e The Hand of Nature (2024).

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“The Impossible Present. Caleidoscopio” è un racconto visivo multiforme, stratificazione di memorie e intrecci tra arte e vita. L’esperienza di residenza artistica nella città rossa presso LE 18, spazio culturale multidisciplinare sito nella medina, è stata vissuta da Delphine Valli come un viaggio di ricongiungimento con il Maghreb della sua infanzia, con la cultura visiva nella quale è cresciuta fino ai sedici anni di età e che ha plasmato la sua sensibilità artistica.

L’intento della mostra è quello di restituire in modo poliedrico il progetto raccolto nel libro dell’artista. Inoltre, essa propone una lettura dei singoli lavori realizzati nel tempo alla luce dell’incontro con la cultura visiva islamica. Evidenziando gli aspetti più impercettibili dell’esperienza, “The Impossible Present. Caleidoscopio” fa leva sul costante rapporto tra materiale e immateriale, tra memoria, visione e creazione.

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In occasione dell’opening, martedì 16 settembre 2025 dalle ore 19.00 l’artista interverrà negli spazi di BUILDING TERZO PIANO presentando al pubblico una performance inedita, azione che produrrà una nuova installazione site-specific. La mostra-evento è accompagnata da un testo critico di Giorgio Verzotti, il cui contributo offre uno sguardo approfondito sulla poetica della pratica artistica di Manzini.

L’intervento dell’artista nasce in relazione allo spazio espositivo ed è pensato appositamente per la sua installazione. Per Manzini l’arte è un’esperienza vissuta attraverso le diverse pratiche artistiche, in particolare la performance, le installazioni site-specific e le opere fotografiche: l’artista intende donare questi momenti della propria intimità al pubblico, che è chiamato ad essere partecipe. Le opere presenti in “Lavoro sul campo” sono accomunate dal tema della tensione, un aspetto cardine della ricerca di Manzini. Le diverse forme espressive presentate concorrono a rendere la mostra un’entità unica, restituendo un quadro complessivo della sua ricerca: le opere esposte, infatti, non sono semplici elementi isolati, ma contribuiscono a definire un’esperienza complessiva che tiene conto dell’ambiente che le ospita.

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